Musikale portrætter – Fortolkninger af tyve moderne komponister af Paul Rosenfeld

Smag ændrer sig. Mode ændrer sig. Antagelserne, gennem hvilke hver nye tidsalder fortolker sin ildfaste prisme-æstetik, ændres også, men normalt på uforudsigelige måder, fordi vi absorberer begrænsninger uden at være opmærksom på deres kontrol. Det kaldes sandsynligvis kultur, og måske er vi alle fanget af dets iboende kommercielle pres. Og vi opfatter sjældent en ændring i vores evne til at reagere på stimuli, ofte overraskende opfattet, når vi trækker vores oplevelse tilbage i en anden kultur, en anden æstetik og måske en anden gang. Det er netop derfor, at udforske fortidskritikken kan være så givende og på en måde, som skrivning aldrig ville have gjort i sin moderne sammenhæng, bemyndigende. Det er denne slags oplevelse, der kommer frem fra hver side af Paul Rosenfelds musikalske portrætter.

Disse “fortolkninger af tyve moderne komponister” blev offentliggjort i 1920, idet de allerede var vist andre steder som lejlighedsvise stykker. Hundrede år senere er den første udfordring naturligvis betydningen af ​​ordet “moderne” i dens titel, især når den præsenterede liste over komponister begynder med Wagner og slutter med Bloch. Personligt har jeg intet imod at kalde Bloch “moderne” i 1920’erne, men Wagners inklusion skubber helt sikkert definitionen, da han allerede havde været død i over 35 år.

Når man læser Rosenfelds tekst, forstår man imidlertid hurtigt Wagners optagelse. For forfatteren skabte Wagners arbejde punktet mellem den feudale og moderne verden. Hans statur og indflydelse var stadig så stor, hans præstationer betragtes stadig så monumentale, at dette kritiske vurderingsarbejde simpelthen måtte begynde med hans navn. Rosenfeld ser sine musikalske dramaer som manifestationer af en ny industriel tidsalder, der afspejler den hidtil usete magt i den nye kulfyrede civilisation.

Strauss, Richard, kommer naturligvis derefter. Rent geni, vurderes han, i det mindste efter beviset for hans første symfoniske digte, der nærmede sig en realisering af Nietzschean-drømmen via farver, der fremkaldte impressionistisk maleri. Da vi kom til Salome, var han imidlertid blevet “en dårlig komponist”, “engang så elektrisk, så vital, så strålende, en figur” havde forvandlet sig til nogen “dyster, ydre og dum”. Rosenkavalier bliver bedømt som “entydigt hul og flad og stum, glædeløs og blød”. Det skal huskes, at dette var i 1920, og at Richard Strauss stadig havde mere end 20 års kreativt liv.

Mussorgskijs “vidunderlige originalitet” var et udtryk for den sande natur i russisk folklore, kultur og bondeliv. Liszt på sin side foreslog værker som “satinkjoler, der dækker beskidte og grimme klude”, “designet af den pompøse og klassificerende Palladio, men udført i stuk og andre billige materialer”. Indtrykket var levende, men stoffet var tæt på nul.

Berlioz var derimod vokset i statur. Hans musik er blevet betragtet som barbarisk og radikal og revolutionerende, “ud over hvilken så meget moderne musik reduceres”. Han var den første til at skrive direkte til orkestret som instrument.

César Franck lider under ignorance af at have en god del af sin sektion afsat til diskussionerne om Saint-Saëns. Imidlertid kan han være glad for, at forfatteren anser sit arbejde for større end det for denne mere berømte komponist, der kun syntes at søge at øge antallet af opus. Francks egen musik ses som et udtryk for det tavse flertal, for dem, der føler sig ”forladte og alene og hjælpeløse”, hæren fra arbejderne i samfundet. Grundlaget er, at Franck selv måtte arbejde for at tjene til livets ophold.

På den anden side synes Claude Debussy allerede for Rosenfeld at have opnået en status som en gud, så højt af æstetikken og opnåelsen af ​​resten af ​​menneskeheden, at det næppe kunne anses for, at han nogensinde havde komponeret en dårlig note. Klaveret til denne mest perfekte levende musiker bliver “satiner og likører”, hans mousserende orkester “med iriserende ild … violer og sarte sølvfarver og lyserøde nuancer”.

Ravel er noget af et problembarn, bestemt imponerende, men hvis vurdering ikke er helt pålidelig, så engagerende som det måske lyder. “Tilladt at forblive i al sin virilitet det barn, som vi alle var,” synes han at få et klapp på hovedet for at opmuntre ham til at prøve hårdere.

Borodin, en ægte stolt nationalist, led af “ufuldkommen originalitet”. Men hans musik, som et stykke udækket og uafskåret porfyr eller malakit, er perfekt i sin naturlige, upolerede tilstand. Rimsky-Korsakov er derimod simpelthen dekorativ og yndefuld, men også usmagelig, mens Rachmaninoff kom med et produkt “for glat og blødt og elegant elegisk, bare for kedeligt”. Det var musikken fra den pseudo-franske kultur i Skt. Petersborgs øvre skorpe.

Scriabin, “vækkede imidlertid ved klaveret al sin latente animation.” Han skrev musik, der “svævede på grænsen mellem ekstase og lidelse”, sandsynligvis bittersød for lægmanden. Men Strawinsky var den ultimative realist. Produkt af industrialisering, det producerede “store tungmetalmasser, bunker og smeltede plader af stål og jern, skinnende adamantinsk bulk.” Indtrykket af hans musik var så ægte, at man endda kunne lugte de grillede pølser på Petrushka-messen.

Fire nutidige “tyske” komponister er helt fyret, Strauss konkurs, Reger grotesk pedantisk, Schoenberg intellektuelt plettet og Mahler almindelig, på trods af at kun to af de fire faktisk var tyske. Specifikt var Mahlers score “sørgeligt lave, ofte tørre og verdslige”. Det ser ud til, at meget af Rosenfelds kritik stammer fra en inkvisitorisk mistillid til Mahlers oprigtighed i hans konvertering fra jødedommen. Regers musik, forfatterens dommer, vil sandsynligvis ikke opleve en genoplivning, og komponisten selv beskrives som en “hævet, nærsynet bille med tykke læber og et broende udtryk, hængt ned på en orgelbænk. “. Lad os ikke sige mere. Schoenberg er en foruroligende, formalistisk og intellektuel tilstedeværelse. Han føler laboratoriet og eksisterer i lydighed mod nogle abstrakte skolastiske krav. Vi taler forresten altid om musik.

Sibelius personificerer selvfølgelig nationalisme, finsk nationalisme. Kommer ud af sin dominans under russisk styre, indser den finske identitet pludselig, at den har smukke landskaber, enge og skove.

Loeffler får overraskende fuld adgang. Det kan have noget at gøre med hendes valg om at bo i USA. Ornstein vil være et navn, der måske ikke er kendt for musikelskere fra det 21. århundrede. På det tidspunkt var han en strålende 25-årig pianist, der drev med at komponere hård og robust noder. Endelig roses Bloch for at bringe ikke-europæisk og østlig indflydelse ind i vestlig musik. Han roses for at have bevaret sin jødiske identitet og kultur, hvilket antyder, at Mahler måske var kommet væk med lettere kritik, hvis han ikke havde afvist troen og dermed tilladt deres forfatter at bemærke ligheden af skrivningen af ​​denne komponist klarinet med klezmer.

Udtalelse med ordene fra Paul Rosenfeld præsenterer ofte et blomstrende display, der blander fordomme og observation, præjudiciel og indsigt. Han beskriver sin påskønnelse af disse tyve komponister gennem sin egen æstetiske forvrængende prisme, afledt af antagelserne fra hans tid. Når vi læser dette korte og fokuserede arbejde, indser vi hurtigt, at vi gør det samme. Kun sproget og antagelserne ændres.

Bir cevap yazın

E-posta hesabınız yayımlanmayacak. Gerekli alanlar * ile işaretlenmişlerdir